Le Nabi (de 1888 à 1900)

 

 

Peintres Nabis :

Aristide Maillol, Charles Filiger, Edouard Vuillard, Felix Valloton, Georges Lacombe, Henri Gabriel Ibels, Jan Verkade, Jozsef Rippl-Ronai, Ker Xavier Roussel, Louis Anquetin, Maurice Denis, Mogens Ballin, Paul-Elie Ranson, Paul Sérurier, Pierre Bonnard, René Piot, Suzanne Valadon, ...

 

Le mouvement nabi est un mouvement artistique postimpressionniste d'avant-garde, né à la fin du XIX^ème siècle en réaction contre la peinture académique, et qui perdurera jusqu'au début du XX^ème siècle.

Les nabis se caractérisent par l'utilisation de grands aplats de couleurs "sorties du tube", sans mélange. La perspective est absente ou fausse, et la ligne d'horizon des paysages est haute. On trouve également dans leur peinture un attrait pour le symbolisme et des influences de l'école de Pont-Aven. La lumière est prédominante dans les tableaux des nabis, préfigurant la lumière spirituelle.

 

Aristide Maillol, Jeune fille de profil, 1891	Charles Filiger, Ange gardien avec une guirlande, 1892
Charles Laval,  Allant au marché, 1888	Louis Anquetin, Moulin Rouge, 1893
Charles Laval,  Ruisseau, L'Aven, 1888	Edouard Vuillard, Le corsage rayé, 1895

 

C'est vers 1888 que le terme de nabi ou nebiim (qui veut dire "intellectuel" en hébreu, et traduit par "prophète" par l'Occident), fut proposé par Auguste Cazalis comme nom à ce cercle de jeunes peintres fondé par Paul Sérusier.

Ce cercle est né d'une controverse autour d'une peinture "Le Talisman" de Paul Sérusier, réalisée sous l'influence de Paul Gauguin, qu'il avait rencontré à Pont-Aven (en Bretagne) durant l'été 1888. Paul Gauguin affirma à Paul Sérurier que la décomposition et la division des couleurs faites à la manière des impressionnistes, ne permettaient pas de rendre justice à la personnalité de l'artiste et à la variation des formes de la nature. Il l'encouragea donc à se débarrasser de la contrainte imitative de la peinture, à user de couleurs pures et vives, à ne pas hésiter à exagérer ses visions, et à donner à ses peintures sa propre logique décorative et symbolique.

 

Paul Sérusier, Le Talisman, 1888	Paul Sérurier, Ferme au Pouldu, 1890
Paul Sérurier, Gauguin, petit berger breton, 1888	Paul Sérurier, Les laveuses à la Laïata, 1892

Lorsqu'il revint à Paris, le tableau fit naître des débats enflammés avec les autres étudiants de l'Académie Julian sur le rôle sacré de l'art et de la peinture. C'est alors qu'avec des proches partageant ses idées, il crée le mouvement nabi.

Les nabis ont de grandes ambitions intellectuelles et spirituelles. Ils représentent un moment important où l'art français s'ouvre sur une grande créativité. Ils s'attachent dans leur pratique à retrouver le caractère "sacré" de la peinture et à provoquer un nouvel élan spirituel au moyen de l'art.

En tant qu'artistes, ils entendent également redonner ses lettres de noblesse à l'artisanat. Ne se limitant pas strictement à la peinture, ils s'intéressent à toutes les formes de décoration et d'expression : tapisseries, vitraux, tissus et papiers peints, décors de théâtre, illustrations de livres, affiches.

Charles Filliger, Tête d'homme au beret bleu, 1892	Charles Filiger, Homme nu assis devant un paysage, 1893
Charles Laval, Femmes au bord de la mer, 1887	Maurice Denis, Saintes femmes au tombeau, 1894
Ker Xavier Roussel, Composition dans la forêt, 1890-1892	Jan Verkade, Paysage décoratif, 1891-1892

 

Si les nabis sont subjugués par la personnalité et l'œuvre de Paul Gauguin, ils se sont également intéressés, comme les artistes et musiciens de leur époque (Satie, Debussy) à l'orientalisme et plus particulièrement au japonisme, qui inspira le surnom de Bonnard.

 

Georges Lacombe,   Automne, la châtaigne se réunit, 1894	Georges Lacombe, La mer jaune, 1892
Henri-Gabriel Ibels, Le clown, 1893	Edouard Vuillard, Les Marronniers, 1894-1895
Felix Valloton, Femmes nues aux chats, 1898	Felix Valloton, La Chambre rouge, 1898
Georges Lacombe, Marine bleue, Effet de vague, 1893	Jan Verkade, Nature morte aux pommes, 1891
Henri-Gabriel Ibels, Au café-concert, 1893	Jan Verkade, La Route, 1891
Jozsef Rippl-Ronai, Portrait Aristide Maillol, 1899	Louis Anquetin, Femme en train de lire un journal, 1890
Ker Xavier Roussel,  Les Saisons de la vie, 1892	Maurice Denis, Régates à Perros Guirec, 1897
Mogens Ballin, Paysage Breton, 1891	Mogens Ballin, Paysage, 1891-1892
Paul Sérusier, Solitude, 1891	Paul-Elie Ranson, Hippogriffe, 1891
Paul-Elie Ranson, Le Bord du Bois, 1892	Paul-Elie Ranson, Pommier aux fruits rouges, 1902

 

Le mouvement ne dure que quelques années puisque les nabis se dispersent vers 1900. Toutefois, au tournant du siècle, les nabis font la transition et annoncent, ou préfigurent, les recherches contemporaines de l'Art nouveau. 

 

Pierre Bonnard, Marthe nue sur son lit, 1903	Pierre Bonnard, Nu dans la baignoire, 1925
Felix Valloton, Paysage, 1918	Jozsef Rippl-Ronai, Père et oncle Piacsek buvant du vin rouge, 1907
Paul Sérusier, Enfants à la barque, 1906	Maurice Denis, Grand Portrait de famille, 1902
Ker Xavier Roussel, Grande fontaine de jouvence, 1924	Maurice Denis, Plage, enfant au bonnet rouge, 1909
Paul Sérurier, Ève Bretonne ou Mélancolie, 1914	Jozsef Rippl-Ronai,  Femme dans robe d'encre et col noir, 1915
Paul Sérusier, Mme Serusier à l'ombrelle, 1912	Pierre Bonnard, Salle à manger à la campagne, 1913
Pierre Bonnard, Nu jaune, 1934	Suzanne Valadon, La chambre bleue, 1923

 

L'Art Nouveau (de 1890 à 1905)

 

 

Peintres de l’Art nouveau :

Alphonse Mucha, Edgar Maxence, Ferdinand Hodler, Gustav Klimt, Jan Toorop, Koloman Moser, Ludwig Von Hofmann, Paul Cauchie, Victor Prouvé, William Morris,…

 

L'Art nouveau est un mouvement artistique de la fin du XIX^ème  et du début du XX^ème  siècle, qui s'appuie sur l'esthétique des lignes courbes. Né en réaction contre les dérives de l’industrialisation à outrance et la reproduction sclérosante des grands styles, c'est un mouvement soudain, rapide, mais également très bref et puissant puisqu'il connaîtra un développement international concomitant : Tiffany (d'après Louis Comfort Tiffany aux Etats-Unis), Jugendstil (en Allemagne), Sezessionstil (en Autriche), Nieuwe Kunst (aux Pays-Bas), Stile Liberty (en Italie), Modernismo (en Espagne), Style sapin (en Suisse), Style Moderne (en Russie). Le terme français « Art nouveau » s’est imposé en Grande-Bretagne, en même temps que l’anglomanie en France a répandu la forme Modern Style au début du XX^ème siècle.

 

Alphonse Mucha, Danse, 1898	Edgar Maxence, Femme à l'orchidée, 1900
Ferdinand Hodler, Le songe, 1897-1903	Gustav Klimt, Mäda Primavesi, 1912

 

S'il comporte des nuances selon les pays, les critères sont communs : l'Art nouveau se caractérise par l'inventivité, la présence de rythmes, couleurs, ornementations, inspirés des arbres, des fleurs, des insectes, des animaux, et qui introduisent du sensible dans le décor quotidien. C'est aussi un art total en ce sens qu'il occupe tout l'espace disponible pour mettre en place un univers personnel considéré comme favorable à l’épanouissement de l'homme moderne de ce début du XX^ème siècle.

En France, l'Art nouveau était également appelé par ses détracteurs le style nouille en raison des formes en arabesques caractéristiques, ou encore le style métro, à cause des bouches de métro parisiennes réalisées en 1900 par Hector Guimard. 

 

Jan Toorop, Fatalité, 1893	Koloman Moser,  Portrait d'Anna Bahr-Mildenburg, 1913
Ludwig Von Hoffman,   Hommes à cheval, 1915	Paul Cauchie, Maison Cauchie, Décorations, 1899

 

Apparu au début des années 1890, on peut considérer qu’à partir de 1905 l'Art nouveau a déjà donné le meilleur de lui-même et que son apogée est passé. Avant même la Premiècre Guerre mondiale, ce mouvement évolua vers un style plus géométrique, caractéristique du mouvement artistique qui prendra la relève : l’Art déco (1920-1940).

 

Victor Prouvé, Joie de vivre, 1902	Victor Prouvé, Vision d'automne, 1902
Alphonse Mucha, Automne, 1896	Alphonse Mucha, Eté, 1896
Alphonse Mucha, Hiver, 1896	Alphonse Mucha, Printemps, 1896
Koloman Moser, Les 3 Graces, 1890-1918	Ludwig Von Hofmann, Nocturne, 1897
Alphonse Mucha, La Madone aux lys, 1905	Victor Prouvé, M. et Mme Corbin, 1906
Ludwig Von Jofmann, Déclaration d'amour, 1894	Ferdinand Hodler, Le bon Samaritain, 1886
William Morris, La reine Guenièvre, 1858	Edgar maxence, Profil au paon, 1896
Edgar maxence, L'Âme de la forêt, 1898	Victor Prouvé, Autoportrait à l'atelier, 1885
Gustav Klimt, Emilie Floge, 1902	Gustav Klimt, Mère et Enfant, 1905
Gustav Klimt, Portrait de Fritza Riedler, 1906	Jan Toorop, Les 3 fiancées, 1893
Jan Toorop, Nouvelle génération, 1892	Ludwig Von Jofmann, Baigneuses dans un paysage idyllique, 1900

 

Le symbolisme (de 1870 à 1900)

 

 

Peintres symbolistes :

Alphonse Osbert, Arnold Böcklin, Carlos Schwabe, Edmond Aman-Jean, Emile Fabry, Félicien Rops, Fernand Khnopff, Ferdinand Hodler, Frantz Von Stuck, Gaston Bussière, Georges de Feure, Giovanni Segantini, Gustav-Adolf Mossa, Gustav Klimt, Gustave Moreau, Henry de Groux, James Ensor, James Whistler, Jean Delville, Jean-François De Boever, Léon Spilliaert, Lionel Le Falher, Lucien Lévy-Dhurmer, Odilon Redon, Ozias Leduc,  Pierre Puvis de Chavannes, Valérius De Saedeleer, William Degouve de Nuncques, Xavier Mellery,…

 

Le symbolisme est un mouvement littéraire et artistique apparu en France et en Belgique vers 1870, en réaction au naturalisme (mouvement littéraire) et au mouvement parnassien (mouvement poétique). Ce mouvement provient de la Russie, en particulier grâce à Valéry Brioussov, poète et fondateur du symbolisme russe.

A l’opposé de l’Impressionnisme, le Symbolisme rejette l’inspiration par la nature. Il ne s’adresse pas au regard de l’homme, mais à son esprit, et à l’imagination que ce dernier est à même de produire.

Les artistes puisèrent leur inspiration dans la lecture des romans contemporains ou passés, et dans la poésie. Toutes les histoires mythologiques, ainsi que les légendes et les contes de fées, furent source d’inspiration. Et dans une réelle communion d’idées, les peintres et les poètes laissèrent dériver leur esprit dans le rêve et la mélancolie. Ils n’acceptèrent ni le progrès et sa technique sans cesse grandissante, ni la photographie qui prenait alors un essor considérable.

 

Carlos Schwabe, La mort et le fossoyeur, 1900	Jean Delville, Mysteriosa. Portrait Madame Stuart-Merrill, 1892
Giovanni Segantini, L'ange de la vie, 1894	Gustave Moreau, Jupiter et Europe, 1868

 

Les éléments positifs de l’existence furent rejetés, et les subterfuges comme l’alcool et la drogue, devinrent leurs complices. Les Symbolistes explorèrent les tréfonds de leur imagination, en devenant des marginaux. Et leurs tableaux ne demeurèrent que l’expression de cette sensibilité à fleur de peau qui révéla leurs idées profondes.

En 1891, le critique d’art Georges Albert Aurier rédigea un article sur la peinture de GAUGUIN, pour définir ainsi le Symbolisme: « L’œuvre d’art devra être : premièrement idéiste, puisque son idéal unique sera l’expression de l’idée ; deuxièmement symboliste, puisqu’elle exprimera cette idée en formes ; troisièmement synthétique, puisqu’elle écrira ses formes, ses signes selon un mode de compréhension général ; quatrièmement subjective, puisque l’objet n’y sera jamais considéré en tant qu’objet, mais en tant que signe perçu par le sujet ; cinquièmement l’œuvre d’art devra être décorative ».

 

 

Arnold Böcklin, Ulysse et Calypso, 1883	Franz Von Stuck, Vent et source, 1927
Félicien Rops, Pornokratès, 1879	Gustave Moreau, Oedipus et le Sphinx, 1864

 

La vérité qui se cache derrière les apparences devint alors pour les Symbolistes un thème fréquemment traité, comme l’antagonisme qui prévaut entre le vice et la vertu. La solitude et la mort ou le fantastique et l’imaginaire furent avec la femme des sujets régulièrement abordés dans leur peinture. Le bien et le mal furent symbolisés par des fleurs, et les paysages composés par leur esprit imaginatif entraînèrent l’observateur dans des contrées surnaturelles, où les animaux subirent des métamorphoses étonnantes.

 

Les artistes s’appliquèrent à créer une harmonie esthétique dans leurs tableaux, pour confirmer toute leur symbolique. Et les œuvres ainsi produites laissèrent apparaître la précision du dessin, ainsi que la disparition du coup de pinceau.

 

Alphonse Osbert, La muse au lever du soleil, 1918	Alphonse Osbert, Lac dans les bois, 1918
Alphonse Osbert, Soirée dans l'antiquité, 1908	Edmond Aman-Jean, Sous les orangers, Femme à Amalfi, 1899-1900
Edmond Aman-Jean,  Miss Ella Carmichael, 1906	Carlos Schwabe,  L'âme du vin, 1907
Emile Fabry, Les ages de la vie, 1912	Félicien Rops, La répétition, 1878-1881
Arnold Böcklin, L'ile aux morts, 1886	Ferdinand Hodler, Emotion, 1901-1902
Ferdinand Hodler, Emotion, 1900	Fernand Khnopff,  Portrait d'Yvonne Suys, 1890
Fernand Khnopff,   Le Sphynx, 1896	Fernand Khnopff, Fermez la porte sur moi, 1891
Franz Von Stuck, Lucifer, 1891	Franz Von Stuck, Medusa, 1892
Franz Von Stuck, Medusa, 1908	Franz Von Stuck, Tilla Durieux comme Circe, 1913
Ganton Bussière, Isolde, 1911	Ganton Bussière, Salammbo, 1907
Gaston Bussière, Danseuses exotiques, 1880	Gaston Bussière, Jeanne d'Arc, 1908

 

Fernand Khnopff,  Portrait d'Eugenie Verhaeren, 1888	Georges De Feure, La voie du mal, 1895
Georges De Feure, Le botaniste, 1894	Georges De Feure, Le suiveur au crépuscule, 1895
Giovanni Segantini, L'amour à la source de la vie, 1896	Gustav Klimt,  Emilie Floge, 1902
Giovanni Segantini,  Pétale de rose, 1891	Gustav Klimt, Mäda Primavesi, 1912
Gustav Klimt, Portrait de Fritza Riedler, 1906	Gustav-Adolf Mossa, Elle, 1905
Gustav-Adolf Mossa, La Gorgonne, 1917	Henry De Groux, La chevauchée des Walkyries, 1890
Henry De Groux, La mort de Siegfried, 1899	James Ensor, La mort et les masques, 1817
James Ensor, Les musiciens tragiques, 1891	James Ensor, Squelettes se disputant un hareng-saur, 1891
James Whistler, Portrait de Lady Meux, 1881-1882	James Whistler, Symphonie en blanc, 1862

 

Jean Delville, Trésors de Satan, 1895	Jean Delville, L’ange des splendeurs, 1889
Jean François De Boever, La charogne, les fleurs du mal, 1928	Jean François De Boever, Vampire, 1920
Léon Spilliaert, La buveuse d'absinthe, 1907	Léon Spilliaert, Pose, solitude, 1901
Léon Spilliaert, Plage au clair de lune, 1908	Lionel Le Falher, Délires et délices, 1893
Lucien Lévy-Dhurmer, Coup de vent, 1910	Lucien Levy-Dhurmer, Medusa, 1897

 

 

Lucien Lévy-Dhurmer, Salomé embrassant la tête de Saint Jean, 1896	Odilon Redon, Nuages de fleurs, 1903
Odilon Redon,  Buddha, 1910	Odilon Redon, Portrait de Madame Redon, 1880
Pierre Puvis De Chavannes, Le travail, 1863	Pierre Puvis De Chavannes,  L'espérance, 1872
Pierre Puvis De Chavannes,  Le pauvre pêcheur, 1887	Xavier Mellery,  L'églantier, 1895
Valérius De Saedeleer, La ferme en été à Etikhove, 1926	Xavier Mellery, La ronde des heures, 1890
William Degouve De Nuncques, Les anges dans la nuit, 1896	William Degouve De Nuncques,   Les paons, 1896

 

Le Pointillisme ou Divisionnisme ou Néo-Impressionnisme (à partir de 1885)

 

Peintres Pointillistes :

Albert Dubois-Pillet, Camille Pissarro, Charles Angrand, Dario De Regoyos, Georges Lemmen, Georges Seurat, Henri-Edmond Cross, Léo Gausson, Louis Hayet, Lucien Pissarro, Maximilien Luce, Paul Signac, Théo Van Rysselberghe, Vincent Van Gogh, William Finch, …

 

 

Le pointillisme (ou néo-impressionnisme ou divisionnisme) est un courant artistique issu du mouvement impressionniste qui consiste à peindre par juxtaposition de petites touches de peinture de couleurs primaires (rouge, bleu et jaune) et de couleurs complémentaires (orange, violet, vert). On perçoit néanmoins des couleurs secondaires, par le mélange optique des six différents tons. Cette technique est née en France à la fin du XIXème siècle, notamment sous l'impulsion de Georges Seurat (1859-1891) puis de Paul Signac (1863 - 1935).

 

Georges Seurat, Les poseuses, 1886-1888	Paul Signac, Avant du tub, 1888

À la fin du XIXème siècle, le groupe des impressionnistes voit ses œuvres régulièrement refusées au Salon Officiel et à partir de 1874, ils organisent leurs propres expositions. Le jeune artiste Georges Seurat admire leur technique picturale qui consiste à traduire l'espace et la lumière par la juxtaposition de "petites touches". Il a lu les études sur la lumière des physiciens et de son ami Charles Henry (directeur du laboratoire de physiologie des sensations à l'Ecole pratique des hautes études, commentateur de Léonard de Vinci et de Léon Battista Alberti). Ainsi, en 1890, après une longue et complexe élaboration, il  écrit en tête d'un mémorandum "La pureté de l'élément spectral étant la clef de voûte de ma technique.... ". Il a enfin théorisé sa technique.

 

Georges Seurat, Une baignade à Asnières, 1884	Georges Seurat,  Un dimanche après-midi à l'ile de la grande jatte, 1885

En 1883, Georges Seurat commence l'étude pour sa première grande composition (201 × 300 cm) qui s'intitule "Une baignade à Asnières". Pour cette étude, il réalise une série de "croquetons" et de dessins (réalisé sur les rives de le Seine). Dans un second temps, dans son atelier, il "décompose" les couleurs de son modèle pour peindre avec ses petits points de couleurs primaires et complémentaires. En 1884, il l'expose à la buvette du Salon des artistes indépendants : le tableau déconcerte mais il retient l'attention de certains jeunes artistes.

Durant l'été de cette même année, il entreprend la réalisation d'une de ses peintures les plus connues : "Un dimanche après-midi à l'Ile de la Grande Jatte". Pour ce tableau, il réalisa 38 croquis à l'huile et 23 dessins préparatoires. Il exposa cette toile en mai 1886, lors de la huitième et dernière exposition impressionniste. Ce tableau peut être considéré comme l'oeuvre fondatrice du Divisionnisme.

 

Georges Seurat, La seine à Courbevoie, 1885	Georges Seurat, Le cirque, 1891
Georges Seurat , La parade, 1889	Georges Seurat,  Tour Eiffel, 1889

 

Replacé dans ce contexte historique effervescent, le Divisionisme de Seurat apparaît au départ davantage comme un prolongement de l'impressionnisme, une variante picturale, ce que Pissarro devait appeler "un impressionnisme scientifique". La technique change, mais les thèmes demeurent ceux des impressionnistes.

Georges Seurat, dont l'oeuvre artistique personnelle est considérable, devait décéder d'une diphtérie en 1891, à l'âge de seulement 32 ans.

Paul Signac rebaptisera le Divisionnisme en "Pointillisme", mais dès 1886, l'écrivain et critique d'art Félix Fénéon, qui sera son plus ardent défensuer, lui donne le nom de "Néo-Impressionnisme"

 

Paul Signac, Femme se coiffant, 1892	Paul Signac, La calanque, 1906
Paul Signac, L'arc en ciel (Venise), 1905	Paul Signac, Les Andelys la berge, 1886
Paul Signac, Palais des Papes Avignon, 1900	Albert Dubois-Pillet, La Marne à l'aube, 1888
Albert Dubois-Pillet, La Seine et les collines à Canteleu, 1887	Albert Dubois-Pillet, Paysage de l'hiver, 1889
Camille Pissarro, Jeune fille à la baguette ou la bergère, 1880	Camille Pissarro,  Jeune paysanne à sa toilette, 1888
Camille Pissarro, Le pont Corneille à Rouen, effet du matin, 1896	Camille Pissarro, Quais à Rouen, 1883

 

Camille Pissarro allait, dès le début, être séduit par le divisionnisme de Seurat, et peindre de 1886 à 1891 à la manière pointilliste, sous une forme personnelle faite de petits traits plutôt que des points, avant de revenir à une facture plus impressionniste, estimant se trouver enfermé dans une peinture trop impersonnelle.

 

Charles Angrand, Couple dans la rue, 1887	Charles Angrand, La seine à Courbevoie, 1888
Darío De Regoyos, La Concha nocturno, 1906	Dario De Regoyos, Les filets, 1893
Henri-Edmond Cross, Canale Ponte Lungo, 1903-1905	Henri-Edmond Cross, La sieste au bord de la mer, 1903
Léo Gausson, Le pont des arts, 1890	Léo Gausson, Maison sur le bord de la rivière, 1885-1890
Louis Hayet, Bord de l'Oise, 1888	Louis Hayet, Nature morte, 1900-1920
Lucien Pissarro, Les crocus, 1891	Lucien Pissarro, Portrait de Jeanne, 1889
Maximilien Luce,  Quai de l'école, 1889	Maximilien Luce, La gare de l'est sous la neige, 1917
Maximilien Luce, Matin, 1890	Maximilien Luce, Portrait de Henri Edmond Cross, 1898

 

Vincent Van Gogh, à son arrivée à Paris en 1886, s'intéressera aussi aux théories de Georges Seurat et signera plusieurs oeuvres au caractère pointilliste.

 

Vincent Van Gogh, Intérieur d'un restaurant à Paris, 1887	Vincent Van Gogh, Autoportrait au chapeau de feutre, 1887-1888

 

À partir de 1892, Paul Signac, amateur de voile, se rend régulièrement à Saint-Tropez. Sa touche devient alors intuitive et s’agrandit jusqu’à devenir très large, jouant sur le contraste des couleurs pour porter l’intensité lumineuse à son paroxysme.

 

Paul Signac, La bouée rouge, 1895	Paul Signac, Voiles et pins, 1896

 

À partir de 1895, Paul Signac "illumine" le néo-impressionnisme avec ses œuvres aux couleurs éclatantes et lumineuses, qui influenceront plus tard les fauves et les expressionnistes, quand celles de Seurat, plus rationnelles, retiendront davantage l’attention des peintres cubistes de par leur clarté scientifique de conception. Le Néo-impressionnisme n’aura constitué, en tant que mouvement, qu’une période transitoire de l’histoire de la peinture, mais son influence est essentielle pour l’évolution de l’art.

Seul un nombre très restreint d’artistes, comme Paul Signac ou Cross, resteront fidèles au divisionnisme, alors que pour beaucoup d’autres, comme Matisse, Derain, Braque, il constituera une étape vers autre chose.

Paul Signac, St Tropez, L'orage, 1895	Henri- Edmond Cross, L'air du soir, 1893-1894
Henri Matisse, Luxe, calme et volupté, 1904-1905	Maximilien Luce, Bain de femmes à Saint Tropez, 1904

 

Ainsi en 1905, Henri Matisse, après avoir rencontré Signac à Saint-Tropez et Cross au Lavandou, compose "Luxe, calme et volupté", œuvre dans laquelle leur influence est manifeste, autant dans la composition que dans la technique picturale divisionniste.

C’est le début du fauvisme, la division monotone et régulière des touches de couleurs des néo-impressionnistes va désormais s’étendre à de multiples autres formes, les couleurs vont prendre le dessus sur le souci de représentation.

 

Théo Van Rysselberghe, Bateaux dans l'estuaire, 1892-1893	Théo Van Rysselberghe, Paul Signac à la barre de son bateau, 1897
Théo Van Rysselberghe, La lecture par Emile Verhaeren, 1903	Théo Van Rysselberghe, L'entrée du port de Volendam, 1903
Théo Van Rysselberghe, Madame Van Rysselberghe et sa fille Elisabeth, 1899	William Finch, Petite route de campagne par la mer du nord, 1888
Georges Lemmen, Plage à Heist, 1891	Henri- Edmond Cross, L'épave, 1899

Les peintres du néo-impressionnisme exposeront régulièrement au Salon des Indépendants. Ce salon se tint pour la première fois en 1884 à l’initiative de quelque 400 artistes mécontents du Salon Officiel, ouvrant ses portes à tous les artistes, sans aucun jury.

 

Le Postimpressionnisme (de 1885 à 1915)

 

Peintres Postimpressionnistes :

Georges Dufrénoy, Georges Seurat, Henri de Toulouse-Lautrec, Henri Matisse, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Pierre Bonnard, Vincent Van Gogh, …

 

Le postimpressionnisme est un ensemble de courants artistiques qui, durant la période allant approximativement de 1885 à 1915, diverge de l’impressionnisme ou s'oppose à lui (néo-impressionnisme, synthétisme, symbolisme, nabis…).

Le terme postimpressionnisme est une appellation extrêmement floue, appliquée principalement à Paul Cézanne, Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec et Georges Seurat, mais souvent utilisée pour décrire d'autres artistes progressistes qui suivirent la grande décennie de l'impressionnisme (1870-1880), comme Henri Matisse, Pierre Bonnard ou Georges Dufrénoy...

 

Henri de Toulouse-Lautrec, Le baiser, 1892	Vincent Van Gogh,  Nuit étoilée sur le Rhône, 1888
Paul Gauguin, Arearea - Joyeusetés, 1892	Paul Cézanne,  Montagne Sainte-Victoire, 1897-1898
Pierre Bonnard, La loge, 1908	Georges Dufrénoy, Soubise Palace, 1908

 

On peut différencier deux sortes de peintures au sein du postimpressionnisme.

• L'influence de Georges Seurat

Le tableau intitulé l'Île de la jatte représente la vie du dimanche à l'époque. Les peintres appartenant à ce mouvement font de la vie quotidienne leur sujet principal.

 

Georges Seurat, Un dimanche d'été à l'Ile de la Jatte, 1885	Georges Seurat, Les poseuses, 1886-1888

 

• Le « couple » Paul Gauguin / Vincent Van Gogh

Van Gogh arrive à Paris en 1886 et découvre alors les peintures impressionnistes. Il se rend compte que cela ne correspondait pas à l'idée qu'il en avait. Il choisit sa technique : beaucoup plus emportée, plus lyrique et plus expressionniste que celles des autres. Son influence est déterminante sur l'évolution de la peinture. On verra apparaître alors la peinture expressionniste allemande. (Les styles de peinture sont issus des styles précédents).

Paul Gauguin et Vincent Van Gogh sont amenés à vivre ensemble trois semaines à Arles. À ce moment, ils sont endettés, tendus et crispés. Gauguin vend donc quelques-unes de ses toiles à Théo, le frère de Vincent, en échange d'un peu d'argent. Les deux peintres ont des techniques qui les opposent. Pendant que Vincent s'impose d'aller peindre sur le motif (avec toiles et chevalet) quelles que soient les conditions climatiques, Paul, lui, peint de mémoire dans l'atelier.

 

Henri de Toulouse-Lautrec, A la mie, 1891	Henri de Toulouse-Lautrec, Le salon de la rue des Moulins, 1894
Henri Matisse, Les fleurs jaunes, 1902	Paul Cézanne, Nature morte avec des fleurs et des fruits, 1890
Paul Gauguin,  Femme à la robe rouge, 1891	Paul Gauguin, Les Alyscamps, 1888
Paul Gauguin, Pêcheuses Tahitiennes, 1891	Paul Gauguin, Trois jeunes Bretonnes dansant la gavotte, 1888
Pierre Bonnard, Nu à contre-jour, 1908	Pierre Bonnard, Les trois ages, 1893
Paul Cézanne,  Moulin sur la Couleuvre près de Pontoise, 1881	Vincent Van Gogh, Les arènes d'Arles, 1888
Vincent Van Gogh, Autoportrait au chapeau de paille, 1887	Vincent Van Gogh, Le portrait de Joseph Roulin, 1889
Vincent Van Gogh, Les buveurs, 1890	Vincent Van Gogh, Moulin de la galette, 1886
Vincent Van Gogh, Les tournesols, 1889	Vincent Van Gogh, Autoportrait en bonze, 1888